De 10 beste rockbands ooit

Bij het aanpakken van een project zo gedurfd, glad en beladen met diagnostisch gevaar als “de 10 beste rockbands ooit,”Iemand kan zich ineenkrimpen in afwachting van de moesson van onenigheid die zeker zal komen en het pakket laden met elke vorm van weaselly equivocation, of iemand kan sprinten in een gelukzalige zekerheid in de universele gerechtigheid van iemands oordeel. Als Amerikaan kies ik voor het laatste.

1. The Beatles

The Beatles zijn ongetwijfeld de beste en belangrijkste band in de rockgeschiedenis, evenals het meest boeiende verhaal. Bijna op wonderbaarlijke wijze belichaamden ze de top van de vorm artistiek, commercieel, cultureel en spiritueel op precies het juiste moment, de tumultueuze jaren ’60, toen muziek de macht had om de wereld letterlijk te veranderen (of op zijn minst de indruk te wekken dat het kon, wat hetzelfde kan zijn). The Beatles zijn het archetype: er is geen term in de taal analoog aan “Beatlemania.”

Drie jongens uit Liverpool – John Lennon, Paul McCartney en George Harrison – kwamen samen in een tijd van grote culturele vloeibaarheid in 1960 (met bit spelers Stu Sutcliffe en Pete Best), verzonken en recapitulated Amerikaanse rock ‘n’ roll en Britse popgeschiedenis tot dat punt, verhard tot een vlijmscherpe eenheid die vijf op amfetamine gebaseerde sets speelde, een nacht in het stoere havenstadje Hamburg, Duitsland, teruggekeerd naar Liverpool, vond hun ideale manager in Brian Epstein en ideale producer in George Martin, voegde het laatste stuk toe de puzzel toen Ringo Starr Best op drums verving en hun eerste single uitbracht in Groot-Brittannië, “Love Me Do / PS I Love You, “tegen oktober 1962.

Hun tweede single, “Please Please Me,” gevolgd door Britse hitlijsten “From Me to You,” “She Loves You,” “I Want to Your Hand,” “Can not Buy Me Love” (alle Lennon / McCartney-originelen), en het prettige imago, humor en charme van de groep, versterkte de waanzinnige grip van de Fab Four op hun thuisland in 1963.

Maar toen de groep in februari 1964 in de Verenigde Staten aankwam, werd de volledige omvang van Beatlemania duidelijk. Hun pandemonium-inducerende vijf-songs uitvoering op de Ed Sullivan Show op 9 februari is een van de belangrijkste massamedia-evenementen van de 20e eeuw.th eeuw. Ik was toen vijf – mijn ouders vertellen me dat ik het met hen heb bekeken, maar dat herinner ik me echt niet meer. Ik herinner me echter wel dat de buurvrouwen, vier en zes jaar ouder dan ik, die verschijning omdraaiden en me snel daarna in hun duizelingwekkende waanzin sleepten. Ik hield van “I Want to Your Hand,” de eerste nr. 1 van de Beatles in de VS (ze hadden er nog 19, nog steeds het record), meer dan enig ander nummer dat ik ooit heb gehoord of bijna zeker ooit zal horen, met een intensiteit die ik nu alleen als herinnering kan aanraken.

The Beatles genereerden een intensiteit van vreugde die tientallen miljoenen mensen in het gezicht sloeg met het besef dat geluk en uitbundigheid niet alleen mogelijk waren, maar in hun aanwezigheid onvermijdelijk. Ze genereerden een energie die een miljoen keer werd versterkt en naar hen terugkeerde in een oorverdovende vloedgolf van dankbare hysterie..

Een gedeeltelijk gevolg van die oorverdovende hysterie was dat de band gefrustreerd raakte door hun concerten en niet meer live optrad na een show in San Francisco op 29 augustus 1966. Maar zelfs deze frustratie droeg vrucht, want de vier muzikanten hielpen bijna onberekenbaar door producer Martin, veranderden hun creatieve energie in de opnamestudio en produceerden steeds geavanceerdere en volmaakte albums “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “You Will not See Me,” “Nowhere Man,” “Michelle “),” Revolver “(1966, Harrison’s” Taxman “,” Eleanor Rigby, “” Here, There and Everywhere, “” Yellow Submarine, “” Good Day Sunshine, “” And Your Bird Can Sing “), the majestic and epochal “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, titelnummer,” With a Little Help From My Friends, “” Lucy In the Sky With Diamonds, “” When I’m Fourty-Four, “” A Day In the Life “).

Hoewel de middelpuntvliedende kracht zijn tol begon te eisen, slaagden ze er nog steeds in om nog drie album-meesterwerken te produceren, het dubbele album “The Beatles” (1968, ook bekend als “The White Album”, met “Back In the USSR,” “Dear Prudence,” ” Ob-La-Di Ob-La-Da, “Harrison’s” terwijl mijn gitaar zachtjes weent, “” Blackbird, “” verjaardag “,” Helter Skelter “),” Let It Be “(opgenomen begin 1969 maar pas in 1970 uitgegeven) , met het titelnummer ‘Two Of Us’, ‘Across the Universe’, ‘I’ve got a feeling’, ‘The Long and Winding Road’ en ‘Get Back’), en de passende climax ‘Abbey Road’ ( 1969, Harrison’s “Here Comes the Sun” en “Something,” Ringo’s “Octopus’s Garden”, “Come Together”, “Maxwell’s Silver Hammer”, “I Want You,” “She Came In Through the Bathroom Window”).

Ze deden een ongelooflijke belofte en in plaats van zich te baseren op die belofte die ze leverden en afleverden en voor acht jaar leverden totdat de volledige implicaties van de belofte hen uiteindelijk troffen: ze staarden in de kaken van een onverzadigbaar, ravenachtig beest dat niet minder beestachtig was omdat het glimlachte en zwaaide en hen geld gaf. The Beatles leden uiteindelijk aan een collectief onvermogen om te doen alsof het beest geen beest was, en in 1970 braken ze uit en keerden ze terug naar de mensheid.

Redux van Beatlemania

Een klein maar belangrijk deel van de magie van The Beatles kwam terug in 1986 met de release van de klassieke John Hughes-tienerfilm “Ferris Bueller’s Day Off”, waarin het titelpersonage van Matthew Broderick de vroege Beatles-klassieker “Twist and Shout” op de achtergrond brengt (ironisch genoeg, een lied dat ze niet hebben geschreven) vanaf de top van een vlotter in een parade in het centrum van Chicago.

John Lennon zong ‘Twist and Shout’ alsof de woorden vreugdevol bijtend vergif waren, dat zijn enige hoop op overleving was om hen te verdrijven met alle heftigheid die zijn met ritme besmeurde lichaam kon opbrengen, en Ferris ook in de scene. Paul en George reageerden op de ijver van John aan het einde van elke strofe met hun uitzinnige ‘Ooohs’. Ze vermaakten zich zo graag dat dit lied op dat moment het belangrijkste in hun leven leek. The Beatles kenden de ontzagwekkende verantwoordelijkheden van plezier.

Ferris brult van de lippen, de frauleins op de dobber schudden en schudden en stuiteren van Ferris als elektronen, de duizenden in de menigte zingen mee vanuit de putten van hun bekken. Chicago jams als één, het opnieuw creëren van the Beatles ‘verbazingwekkende real-life prestatie van een verenigende massale waanzin die het leven van mensen voor een tijd veranderde.

Toen ik de film in het theater in ’86 zag, stonden de mensen echt op en dansten in de gangpaden. Hoe konden ze dat niet? Het “Twist and Shout” -segment was het meest opwindende en vrolijke muzikale moment in een film sinds The Beatles de “A Hard Day’s Night” (1964) hadden, en was de perfecte climax voor Ferris Bueller’s filmprestaties.

Het publiek was zo weemachtig voor Beatlemania dat “Twist and Shout” in dat jaar 15 weken lang terugkeerde naar de hitlijsten, een korte maar zoete herinnering aan het echte werk.

2. De Rolling Stones

Toen The Beatles in 1970 ophielden, viel de titel van ‘World’s Greatest Rock’ n ‘Roll Band’ met heel weinig onenigheid tegen de Rolling Stones, die tegen die tijd in zo’n wonderlijke creatieve piek zaten dat ze misschien hadden uitgedaagd de Fab Four voor de titel hoe dan ook. Het is een titel die de eenmalige ‘anti-Beatles’ sindsdien niet hebben opgegeven. Niet alleen zijn de Stones al meer dan 30 jaar de grootste rockband ter wereld, maar ze zijn al meer dan 40 jaar een functionerende rock-‘n-roll-eenheid, de langste in de geschiedenis.

Boyhood-vrienden Mick Jagger en Keith Richards, samen met gitarist Brian Jones en pianist Ian Stewart, vormden de eerste versie van de Rollin ‘Stones in 1962, en met de crack-ritmesectie van Charlie Watts op drums en Bill Wyman op bas snel aan boord, scheurde het op in een verblijf van acht maanden in de Crawdaddy Club in Londen kort daarna. Een jonge en ambitieuze Andrew Loog Oldham zag ze daar: 

“Ik zag ze op 23 april 1963 en toen wist ik waarvoor ik trainde,” zei hij in een telefonisch interview vanuit zijn huis in Colombia. “Het belangrijkste wat ze hadden was passie, die hen tot op de dag van vandaag heeft gediend,” vervolgde Oldham. De eerste act van Oldham als manager was om Shews Stewart af te trekken van de live-act van de band omdat hij zich niet hield aan zijn beeld van een magere, gemene en sexy Stones (Stewart was de roadmanager van de band en nam ze op tot zijn dood in 1985).

Op het moment dat de Rollin ‘Stones (vernoemd naar het nummer Muddy Waters, Oldham de’ g ‘toevoegden) een haveloze R & B-coverband waren, maar hun run op de Crawdaddy had veel aandacht gegenereerd, en met de Beatles op hun weg naar boven niemand wilde het volgende grote ding missen. Oldham liet ze snel tekenen bij Decca Records, dat nog steeds pijnlijk was van het afwijzen van the Beatles.

In juni ’63 werd de eerste single van de Stones, een cover van “Come On” van Chuck Berry, naar nummer 21 in Groot-Brittannië. De follow-up in november was een cover van de gevreesde Beatles ‘”I Wanna Be Your Man”, die steeg naar UK No. 12. In februari van ’64 bereikten ze de UK Top 10 met Buddy Holly’s “Not Fade Away, “Die ook de Top 50 in de VS kraakte – de slechte jongens waren onderweg.

Oldham splitste zich af met de band te midden van de waanzin en media-waanzin van drugsbustes in 1967, maar hij en de band genereerden enkele geweldige muziek gedurende de twee jaar tussen de kronkelende wulpse ‘Satisfaction’ – door velen beschouwd als het grootste rocknummer ooit – uitgebracht in mei 1965 en de hit-gevulde “Flowers” -compilatie, uitgebracht in juli ’67. Inbegrepen was het ongelooflijk zelfbewuste narcisme van “Get Off Of My Cloud”, kamermoedigheid en kwetsbaarheid van “As Tears Go By”, verbijsterde stedelijke moderniteit van “19th Zenuwinzinking”; en het eerste klassieke album van de Stones, “Aftermath”, met het simultaan spottende en empathische drugssong “Mother’s Little Helper”, diep groovy en vrouwenhaat “Under My Thumb” en “Out Of Time,” lovely “Lady Jane” en exotisch , roiling “Paint It Black.”

Toen kwam de Stones-klassieker uit de late jaren ’60 / begin jaren 70 tussen ‘Beggar’s Banquet’ en ‘Exile On Main Street’, mogelijk de meest productieve run in de rockgeschiedenis, toen de Stones een ongeëvenaarde alchemie van rock ‘n’ roll draaiden , blues en country in iets duisters, gevaarlijks en blijvend diep.

De bustes van 1967 leken Jagger en Richards naar een ander creatief niveau te trekken, maar Brian Jones leek geslagen en zonk snel. Hij was afwezig van de duivelse, riff-rockende “Jumping Jack Flash” single. Hij werkte nauwelijks aan 1968’s uitzonderlijke, bluesy “Beggar’s Banquet” (verleidelijk, percussief en stekend “Sympathy For the Devil”, gitaarwerkende “Street Fighting Man,” snijdende en zondige “Stray Cat Blues”), was uit de groep door Juni ’69, en dood op de bodem van zijn zwembad minder dan een maand later.

Young Mick Taylor voegde zich bij Jones als vervanger, en zijn stevige bluesy leads waren de perfecte folie voor het open ritmewerk van Richards, en het geluid en de beelden werden nog donkerder en harder op “Let it Bleed” (de apocalyps voor seks en dood “Gimme Shelter, “Robert Johnson’s gekwelde blues” Love In Vain, “mysterieuze” Monkey Man, “de camouflage met drugs van het titelnummer, krachtig en moorddadig” Midnight Rambler “, en de schuine, opbeurende coda” You Can not Always Get What You Willen”).

De dans van de band met de duivel droeg bittere vruchten toen ze op 6 december 1969 (slechts drie maanden na Woodstock) een gratis concert hielden bij Altamont Speedway buiten San Francisco, waar een fan werd neergestoken met het oog op het podium van Hell’s Angels ( alle oplopende slechte juju werd gevangen genomen voor het nageslacht in de film “Gimme Shelter”).

“Get Yer Ya-Ya’s Out” (1970), een van de meest bevredigende live rockalbums ooit, gericht op hun ’68 -’69 hits, waaronder een uitgebreide, definitieve ‘Midnight Rambler’, en liet zien hoe integraal Mick Taylor was geworden naar het brullende live geluid van de Stones.

De eerste release van de band op hun eigen Rolling Stones Records was de drugachtige, schokkende, briljante “Sticky Fingers” (1971), met de beruchte werk-rits cover van Andy Warhol. Taylor schitterde opnieuw en de Jagger / Richards-songwriting ging door op het hoogste niveau: brullende “Brown Sugar”, klagelijke “Wild Horses”, jazzy groovende “Can not You Hear Me Knocking”, “horn-rocking” Bitch, “chilling” Sister Morphine “En countriments” Dead Flowers. “

The Stones zijn sindsdien een andere band geweest: Mick Taylor vertrok in 1974 en werd vervangen door de trouwe Ronnie Wood. Ze hebben een paar geweldige albums uitgebracht: “Some Girls” (1978), hun ruwe reactie op de uitdagingen van disco en punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “Beast of Burden,” “Shattered” ) en “Tattoo You” (1981, hun top-album ooit – negen weken op nummer 1) met stand-outs “Start Me Up”, “Hang Fire” en “Waiting On a Friend.” Ze hebben ook veel vrijgegeven van gewoon goede albums: de jaren ’70 waren beter dan de jaren 80, die beter waren dan de jaren ’90.

Maar ze hebben doorgewerkt, pauzes gemaakt maar zich meer en meer toegelegd op het live brengen van de muziek aan de fans, waarbij ze in het bijzonder een nieuwe impuls kregen met het album “Steel Wheels” en de wereldtournee in 1989. Ik ving die tournee in Los Angeles en de Stones kwamen verder met een air van gretige zekerheid. Alle elementen klikten: de gitaren sneden en sneden, de ritmesectie sloot aan en reed eruit, de liedjes waren een perfecte mix van oud en nieuw, de band was overdreven enthousiast.

Jagger toonde geen druppel Cool Star-attitude: hij werkte, sprak, zong van energie en aandacht voor detail. Hij was duidelijk blij dat hij weer geliefd was. De collectieve vreugdevolle opluchting van het stadion heeft Jagger tot kinderlijke kwetsbaarheid gesteund:

“Houd je van de nieuwe liedjes?” Smeekte hij bijna van de menigte.

“We houden van ze, Mick!”

“Wij houden van u!”

“Yeahh!”

Misschien werd Mick herinnerd aan zijn citaat uit de jaren ’70, soms geef ik er de voorkeur aan op het podium te zijn, soms geef ik de voorkeur aan een orgasme. Die avond ben ik er vrij zeker van dat het podium won.

In de jaren negentig nam de band maar liefst 750 miljoen dollar op uit drie tours. Toen ik hen begin vorig jaar vanuit Madison Square Garden op HBO zag leven, bevestigden mijn ogen dat deze grillige, uitgemergelde jongens ongeveer 60 jaar oud zijn, maar toen de camera’s 30 jaar teruggetrokken waren weggesmolten en de magie echt was en in intensiteit toenam als de de nacht droeg verder.

Wat een geweldige show! De Stones zijn nu een betere band dan in de jaren ’70 toen hun leven, lichaam en geest een moeras waren van seks, drugs en alcohol. Leeftijd heeft hen gefocust en toch heel weinig van hun maniakale energie weggenomen, en Keith Richards is nog steeds de grootste ritme-gitarist die ooit heeft geleefd.

Lang leve rock ‘n’ roll – lang leve de Rolling Stones!

3. U2

De U2 van Ierland is de belangrijkste en invloedrijkste band uit het postpunkentijdperk, door zich te verenigen met gierende gitaarrock, punkish-onafhankelijkheid, Keltische spiritualiteit, innovatieve productietechnieken en elektronisch experimentisme – allemaal bij elkaar gehouden door zanger / tekstschrijver Bono’s transcendente visie en charisma.

U2 – Bono (Paul Hewson), gitarist the Edge (Dave Evans), bassist Adam Clayton en drummer Larry Mullen – werd in 1976 in Dublin opgericht als een coverband van Beatles en Stones terwijl de spelers nog allemaal op de middelbare school zaten. In 1980 werden ze aangemeld bij Island Records en brachten hun spectaculaire eerste album “Boy” uit, geproduceerd door Steve Lillywhite.

Ter voorbereiding op het “The Unforgettable Fire” uit 1984, had producer Brian Eno een lang gesprek met Bono, zoals hij later vertelde aan Q Magazine. “Ik zei: ‘Kijk, als ik met je werk, zal ik heel veel dingen die je doet willen veranderen, omdat ik niet ben geïnteresseerd in platen als een document van een rockband die op het podium speelt, ik ben meer geïnteresseerd in schilderen afbeeldingen. Ik wil een landschap creëren waarbinnen deze muziek plaatsvindt. “En Bono zei:” Precies, dat is wat we ook willen. “

De resultaten van deze noodlottige richtingsverandering waren Eno-producties van U2-normen “The Unforgettable Fire” (inclusief “Bad”, “Pride In the Name of Love”); Grammy’s 1987 Album van het Jaar, de persoonlijke en toch universele “The Joshua Tree”, die de band supersterren maakte (met “Where the Streets Have No Name”, “Ik heb nog steeds niet gevonden waarnaar ik op zoek ben”, “Met Of Without You “en” One Tree Hill “); 1991’s “Achtung Baby”, een briljante en emotioneel duistere beweging in de richting van electronica (“nog beter dan het echte ding”, “Eén”, “Tot het einde van de wereld”, “Who’s gonna ride your Wild Horses” en “Mysterious Ways” ); en “Zooropa”, dieper nog in Euro-dance muziek en elektronica (’93, met het titelnummer, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wauw, wat een reis.

U2 was de leidende rockband uit de jaren 80 omdat de leden, zoals misschien alleen Bruce Springsteen in de VS, nog geloofden dat rock-‘n-roll de wereld kon redden, en ze hadden het talent om dat idee niet hopeloos naïef te maken.

Deze ernst en bereidheid om de zwaarste verantwoordelijkheden op zich te nemen leidde tot stijgende prestatieafstanden en escalerende psychische en artistieke eisen die uiteindelijk de groep ertoe brachten ironie te gebruiken als zijn basis uitdrukkingsmiddel voor een tijd in de jaren ’90..

Alle bands willen cool zijn, en in de jaren 80 maakte U2 bijna eigenhandig oprechtheid cool, maar het was hard en meedogenloos werk. Na het gruizige, stevige gitaar- en idealisme van de jaren 80, zagen de jaren 90 de doorschijnende kou van elektronica en ironie, die letterlijk en figuurlijk cool was, maar uiteindelijk niet waar de band over gaat.

“Alles wat je niet kunt achterlaten” (’00) keerde terug naar wat de band is over, en is de sonische en spirituele opvolger van de ‘The Joshua Tree’, het meest idealistische, spirituele en melodisch consistente album van de band.

Restanten van de zoektochten van de band naar elektronica brachten het album op smaak (vooral het impressionistische “New York”), maar de gitaar van de Edge keerde terug naar het centrale toneel waar zijn unieke, chiming-stijl thuishoort, hoewel het nooit de songs op hol brengt, die allemaal gezegend zijn met een gedenkwaardig deuntje.

Na de extatische release van het openingsnummer ‘Beautiful Day’, zegt het tweede nummer ‘Stuck In a Moment You Can not Get Out’, een ogenschijnlijk bescheiden maar diepgaand, serieus en idealistisch idee:

“Ik probeer gewoon een fatsoenlijke melodie te vinden

Een nummer dat ik in mijn eigen gezelschap kan zingen “

Ze hebben het gevonden en nog wat. U2 is nu een volwassen, zelfverzekerde, nog steeds fantastische band die weet dat het niet alle antwoorden heeft, maar is niet bang om de juiste vragen te blijven stellen.

4. De Grateful Dead

Vandaag op pad / ik zag een Deadhead-sticker op een Cadillac / Een kleine stem in mijn hoofd / zei: “Kijk niet om, je kunt nooit achterom kijken.” Don Henley, “Boys of Summer”

Toen Henley in 1984 ‘The Boys of Summer’ schreef, zag hij de sticker op luxueus Detroit-staal als een tegenspraak tussen waarden: een botsing tussen symbolen en antimaterie die de betekenis van beide uitwiste. Maar Henley wist niet dat zijn symbool van een dood verleden in werkelijkheid een zeer krachtig symbool was van het heden en de toekomst.

De Vietnam-oorlog was de perfecte polarisatie tussen de jeugd en de volwassen cultuur: het had geen duidelijk doel, het was ver weg, het kostte vele levens, en het was onvrijwillig – het oude nam de beslissingen, de jongeren stierven. Nadat de oorlog halverwege de jaren 70 genadig werd gedood, kwam het volk tot het besef dat het de interne verwarring meer haatte dan dat het de externe vijand haatte – bloed is dikker dan ideologie.

The Dead werd de symbool van deze vermenging van ideologieën tot de dood van Jerry Garcia in 1995: een goed geoliede geldmachine ($ 50 miljoen per jaar aan concertinkomsten) die vrede, liefde en begrip verkocht aan een legioen van intern verdeelde bewonderaars. The Dead was elke show uitverkocht omdat een Dead-show een sociaal acceptabele plek was om tijdelijk een pauze te nemen van de ratrace en de hippie-waarden uit de jaren 60 te proberen zonder ze te hoeven leven. Mensen die geen drugs dreven, bleven zich uitleven en dansten rond als elfjes voor de doden en hun lichte, ritmische, aangename, soms geïnspireerde, uitgebreide muzikale reizen.

Op dat muzikale front is Rhino’s “Zeer Beste van de Grateful Dead” een uitstekende weergave van de eclectische vermenging van country, folk, psychedelische rock, R & B, jazz en Afro-Caraïbische ritmes op klassiekers als “Friend of the Devil,” ” Sugar Magnolia, ” Ripple ‘,’ Truckin ‘,’ ‘Uncle John’s Band’, ‘Casey Jones’, ‘Franklin’s Tower’ en hun eenzame hitsingle ‘Touch of Grey’.

“Grateful Dead” (1971) is mijn favoriete liveset van de band – hij rolt samen met “Bertha”, “Mama Tried”, “In de band spelen”, “Johnny B. Goode,” “Not Fade Away” en ” Goin ‘the road Feeling Bad, “toont veel energie en veelzijdigheid.

Het succes van The Dead inspireerde de hele jamband-beweging, die haar muzikale en culturele afkomst voortzet tot op de dag van vandaag.

5. Velvet Underground

Brian Eno heeft beroemd gezegd dat niet veel mensen de albums van Velvet kochten toen ze oorspronkelijk werden uitgebracht, maar iedereen die wel een band heeft gevormd. Na moedig de twee vijanden van onverschilligheid en open vijandigheid te hebben verslagen tijdens het leven, is de Velvet Underground geleidelijk omarmd als een van de beste en belangrijkste bands in de rockgeschiedenis.

The Velvet Underground ontstond in 1964 toen zanger / gitarist / songwriter Lou Reed en Welsh multi-instrumentalist John Cale elkaar ontmoetten en besloten om een ​​rockband te vormen (uiteindelijk met Sterling Morrison op bas en gitaar en Maureen “Mo” Tucker op percussie), voortbordurend op hun wederzijdse interesse in R & B, de free-form jazz van Albert Ayler en Ornette Coleman en het avant-garde minimalisme van John Cage en La Monte Young.

De band zocht niet alleen om te entertainen, maar om uit te dagen, om te bewijzen dat rock-‘n-roll weer gevaarlijk zou kunnen zijn. Ze trokken naar Andy Warhol – die de Oostenrijkse actrice / model / chanteuse Nico in de plooi bracht – en werden vaste plaatsen in de multimediaorganisatie Warhol, de fabriek en de Boheemse kunstscène in het dorp..

Live waren de Velvets een bizar samenspel van krachtige R & B, mooie popsongs, uitgebreide experimentele noise jams en de uitvoerende kunst van Warhol’s Exploding Plastic Inevitable. De oorspronkelijke band duurde slechts twee albums, “The Velvet Underground en Nico,” en “White Light, White Heat” (beide 1967), waarvan de eerste tot de grootste van alle rockalbums behoort.

“Waiting for the Man,” with a breezy rock groove, volgt een Reed-personage op zoek naar drugs. Reed is bijna duizelig van zelfverachting omdat zijn behoefte aan drugs zijn sociale status onder die van gettobewoners sleept, en die opstandige zelfverachting bepaalt de status van Velvet als de eerste postmoderne band en de voorloper van de hele punk / nieuwe golf beweging.

“Heroin” neemt het externe avontuur van het verkrijgen van drugs in het interne rijk en vangt de verleiding van verslaving met een kracht, schoonheid en gratie die het des te angstaanjagender maakt. “Venus in Furs”, een niet-knipperend onderzoek naar een S & M-relatie, laat een verademing van bijna zwart-gat dichtheid zien. “All Tomorrow ”s Parties” is Nico’s mooiste moment, een torenhoge auditieve monument voor kortstondige glamour, met de pols van dread en Reed’s destabiliserende hectische gitaar.

Ook zijn er nog twee mooie, Reed penned / Nico gezongen juwelen, “I’ll Be Your Mirror” en “Femme Fatale,” en het mooiste lied van Reed’s carrière, de bovennatuurlijke “Sunday Morning”, die de hoop vastlegt en spijt van een aankomende zondag met ontzag en delicatesse.

De overgebleven drie albums van de groep produceerden nog meer edelstenen in ‘White Light, White Heat’, ‘What Goes On’, ‘Beginning to the Light’, ‘Pale Blue Eyes’, ‘Sweet Jane’ en ‘Rock and Roll’. dat alles en meer is te vinden in de sterk aanbevolen boxset “Peel Slowly and See.”

6. Led Zeppelin

Gedurende een 10-jarige carrière met negen albums van 1969 tot 1979 was Led Zeppelin de meest populaire rockgroep ter wereld en verkocht uiteindelijk meer dan 50 miljoen platen in de VS (meer dan 200 miljoen wereldwijd), ontwikkelde de blues- gebaseerd powertrio-plus-leadzangerarchetype in vele richtingen, waaronder mystieke Engelse folk-rock, door het Midden-Oosten beïnvloedde exotica, eigenzinnige pop en elke vorm van zwaarte. Ze kwamen ook om de Dionysische excessen van de rocklevensstijl te symboliseren.

Hun alomtegenwoordigheid op het gebied van klassieke rockradioformaten en de hiervoor genoemde excessen hebben ertoe geleid dat velen de band hebben afgedaan als overschat en symptomatisch voor het verval van rock ‘n’ roll in de jaren ’70. De superwaardecollectie “Early Days and Latter Days: Best of Vols. 1 en 2 “(twee schijven) bewijzen dat, in voorkomend geval, de band musical grootheid wordt nog steeds ondergewaardeerd, vanwege de eerder genoemde wrok en het feit dat de band geen grotere culturele impact had – ze stonden niet echt voor iets.

Ze hadden allebei het bij het verkeerde eind: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times,” “Babe, ik ga je verlaten”, “Dazed and Confused,” “Communication Breakdown”), “Led Zeppelin 2” (“Whole Lotta Love, “” The Lemon Song, “” Hearbreaker “,” Living Loving Maid, “” Ramble On “) en” Led Zeppelin 4 “(ook bekend als” Zoso “, met” Black Dog, “” Rock and Roll, “” Wanneer the Levee Breaks, “” Stairway to Heaven “) behoren tot de grootste albums van de rock.

De zang van Plant bereikte niveaus van gestoorde extase, misschien alleen in overeenstemming met Little Richard, op teksten die typisch sijpelen met seksualiteit of afgeleid zijn van de Angelsaksische mythe en / of het occulte. Bonham (wiens toevallige dood in 1980 de band verbrak) verpletterde zijn drums meedogenloos als een behendige olifant die door het huis danste. Jones’s basgitaar en strategische keyboards verlijmden de ongelijksoortige elementen. En Page, die het grootste deel van het schrijven en produceren deed, speelde een van de meest fundamentele en gedenkwaardige gitaar in de rockgeschiedenis – van de zwaarste crunch tot de meest delicate akoestische fingerpicking.

Het bewijst de enorme populariteit van de band, de live twee-dvd-set “Led Zeppelin” van de band, die afgelopen mei werd uitgebracht, heeft meer dan 600.000 exemplaren verkocht.

7. Ramones

The Ramones – Dee Dee (bas, zang), Joey (zang), Johnny (gitaar), Tommy (drums, later vervangen door Marky) – waren de Amerikaanse punkband, een eindeloze bron van lawaai, energie, houding, humor en (soms vergeten) geweldige nummers, die rock ‘n’ roll opnieuw uitvinden toen het dit het meest nodig had in het midden van de jaren ’70.

In de loop van de jaren ’70 werkte hij voor indie Sire Records, producer / talentscout Craig Leon raakte betrokken bij de percolerende ondergrondse muziekscene in New York. Op een zomeravond in 1975 ging hij naar CBGB’s en zag twee bands, de Talking Heads en de Ramones.

“Ik ging naar die show en er waren letterlijk vier mensen in het publiek naast mij, maar de bands waren fenomenaal,” zei Leon. “Veel mensen dachten niet eens dat de Ramones een record konden maken. Er waren weken van preproductie op een heel basaal niveau: zoals toen de liedjes begonnen en toen ze eindigden. Hun vroege sets waren een lang nummer totdat ze opraakten of vochten. Je zou het kunnen zien als een performance-achtig ding, waar je een beknopte capsule van 17 minuten had van alles wat je ooit over rock-‘n-roll wist, of je kon het zien als 22 kleine liedjes, “zei hij. Ze gingen voor de liedjes.

The Ramones ‘eerste album (1976) is een brullend minimalistisch icoon – het eerste echte Amerikaanse punkrecord. Lagen en lagen van opgebouwde zwelling en glans werden weggenomen om rock-‘n-roll te onthullen op zijn meest elementaire en vitale klanken op “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” en “Let’s Dance.” Het geluid van de Ramones brandde vroege jaren 60 surfmuziek gespeeld door de overstuurde vervorming van Blue Cheer en Black Sabbath. Toch zagen de Ramones volgens Leon zichzelf als een popgroep. “In onze naïviteit dachten we dat ze groter zouden worden dan the Beatles. Ze hadden zichzelf zelfs genoemd naar de vroege artiestennaam van Paul McCartney, ‘Paul Ramone’ ‘, zei Leon.

Hoewel de meesten het erover eens zijn dat het Ramones ‘verbluffende eerste album – dat de concurrentie als een 747 in een papieren vliegtuigwedstrijd doorsnijdt – hun belangrijkste album is, is het niet mijn favoriet. Mijn favoriet is een van de meest excentrieke van de band, “End of the Century” – geproduceerd door het raadselachtige popicoon (en nu verdachte verdachte) Phil Spector – en het album dat voor de eerste keer expliciet “poppunk” erkende.

Opgenomen in 1979, maakte het album expliciet de connectie tussen de pop-rock uit de vroege jaren 60 en de psyche van de punkband, en is zowel een Ramones als een Spector-klassieker. Spector’s idiosyncrasies overweldigen nooit het gebulder van “Chinese Rock” of “Rock” ‘N’ Roll High School, “en de Spectorish” Do You Remember Rock ‘N’ Roll Radio “rollicks met precies de juiste retouches. De remake van de band van de “Baby I Love You” van de Ronette is net zo aandoenlijk als leuk, en werpt een heel nieuw licht op zanger Joey Ramone (die in 2002 stierf na een lange periode van kanker – ik mis die kerel echt).

De twee-CD set “Hey! Ho! Let’s Go “is een spectaculair overzicht van de band, met alle bovenstaande nummers (behalve” Baby I Love You “) plus” California Sun “,” Sheena Is a Punk Rocker, “” Cretin Hop, “” Rockaway Beach, ” “Teenage Lobotomy”, “Ik wil verdoofd zijn”, “Zij is de persoon”, “Ze is een sensatie”, “We Want the Airwaves” en nog veel, veel meer.

8. Pink Floyd

Pink Floyd is de meest excentrieke en experimentele multi-platinaband van het album rock-tijdperk, en creëerde uitzonderlijke filmische geluidssculpturen ‘Meddle’, ‘Dark Side of the Moon’, ‘Wish You Were Here’ en de populaire top en conceptuele dood van de band kniel, “The Wall.”

Beginnend in het midden van de jaren zestig als een op R & B gebaseerde hard rock band, de band (vernoemd naar Piedmont blues heren Pink Anderson en Floyd Council) – Syd Barrett op gitaar en zang, Roger Waters op bas en zang, Richard Wright op toetsenborden, en Nick Mason op drums – snel gemuteerd tot een vreemde combinatie van twee Britse psychedelica (“See Emily Play,” “Arnold Layne”) en langwerpige instrumentale spacerock (“Astronomy Domine,” “Interstellar Overdrive”), geïnspireerd door Barrett’s liberaal LSD gebruik: een Engelse Cambridge-tuin getransporteerd naar Mars.

Gitarist David Gilmour voegde zich bij de groep als verzekering tegen de volatiliteit van Barrett in ’68, maar toen Barrett onbetrouwbaar werd gedwongen, werd zijn “back-upband” een democratisch viertal dat schrijven, zingen en leiderschapstaken uitdeelde. Terwijl Floyd dieper ging op experimentele symfonische verkenningen in de sonische kou van de ruimte – ongeveer zo ver verwijderd van de oorsprong van rock ‘n’ roll in opgewonden Amerikaanse tienerhormonen – hoe populairder ze werden.

“Meddle,” uitgebracht in 1971, was het overgangsalbum van de band van de door Barrett beïnvloedde jaren ’60 naar de Waters-Gilmour Floyd uit de jaren 1970, gemarkeerd door een pilaar van de ruimtesteenheid “Echoes”, ruim 23 minuten vol zelfvertrouwen, creatief meanderend, ingrijpende harmoniezang van Waters en Gilmour, het orgel van Wright, atmosferisch axemanschap van de onvergelijkbare Gilmour, wereldvreemde pings en drijvende walvisgeluiden. Je kunt hier de vruchtbare zaden van “Dark Side of the Moon” horen.

“Dark Side”, uitgebracht in ’73, bleef op de albumgrafiek voor een schokkende 741 weken, een meesterwerk van creatief studiomateriaal en een opmerkelijk verenigde verkenning van tijd, hebzucht en bestaan ​​- het album is nog steeds een onmisbare overgangsrite. “Wish You Were Here” is een uitzonderlijke, ruminative, ambient, lang-vormige blik op het uiteenvallen van Barrett vermengd met Roger Waters ‘zinderende kijk op de wereld, en in het bijzonder, de muziekindustrie.

Die vage kijk op het leven vond zijn ultieme uitdrukking in ‘The Wall’, die zijn titel gebruikte om letterlijke en metaforische isolatie te vertegenwoordigen. In uitgebreide theatrale presentaties van het werk werd tijdens de voorstelling een muur fysiek geconstrueerd, waarvan de ineenstorting aan het einde van elke show netjes het lot van de groep voorspelde. Waters ging solo in het begin van de jaren ’80 en de groep is zonder hem periodiek herenigd, maar noch de groep noch hij is ooit hetzelfde geweest sinds.

9. Bob Marley en de Wailers

De beste zanger, songwriter en cultureel figuur in de Jamaicaanse geschiedenis, Bob Marley bracht de rechtvaardige boodschap en “positieve vibraties” van reggaemuziek naar de wereld, en is de enige torenhoge figuur uit het rocktijdperk, niet uit Amerika of het Verenigd Koninkrijk..

Marley werd geboren in St. Ann’s Parish op het platteland in 1945 aan een blanke blanke vader van middelbare leeftijd en een zwarte moeder van een tiener en vertrok op 14-jarige leeftijd naar de harde sloppenwijk Trench Town in Kingston om een ​​leven in muziek na te streven. Daar werd hij vrienden en vormde een vocaal trio, met Peter Tosh en Bunny Wailer. Ze noemden zichzelf de Loeiende Wailers, later ingekort tot de Wailers. Ze werkten binnen de heersende muziekstijlen van die tijd, eerst de opwindende up-tempo ska, daarna de langzamere, kronkelige rock, die toen plaatsmaakte voor reggae.

The Wailers opgenomen met de legendarische producers Coxone Dodd en Lee ‘Scratch’ Perry in de jaren ’60, met geweldige nummers zoals ‘Simmer Down’, de originele versie van ‘One Love’, ‘Soul Rebel’, ‘Small Axe’ en ‘Duppy Conqueror’ , “Wordt enorm populair in Jamaica. Maar het was toen de Wailers in 1972 met Chris Blackwell’s Island Records tekenden dat hun bereik wereldwijd werd.

De eerste albums van The Wailers voor Island, “Catch a Fire” en “Burnin ‘” (beide ’73), werden instantklassiekers en introduceerden’ Stir it Up ‘,’ I Shot the Sheriff ‘, en Tosh’s’ Get Up Stand Up ‘ naar de wereld. Tosh en Wailer gingen toen allebei weg om een ​​solocarrière na te streven en de Wailers werden Marley’s voertuig van expressie. Tot zijn tragische dood door kanker op 36-jarige leeftijd in 1981, produceerde Marley volkslied na hymne en bracht hoop en trots naar de derde wereld, naast het aanraken van harten en bewegende voeten in Noord-Amerika en Europa.

Zijn hitscollectie over de jaren van het eiland, ‘Legend’, met een verkoop van meer dan 10 miljoen exemplaren in de VS alleen al, is het meest populaire en duurzame reggae-album aller tijden. Onder de lekkernijen zijn ‘No Woman No Cry’, ‘Three Little Birds’, ‘One Love’, ‘Buffalo Soldier’, ‘Waiting In Tain’ en ‘Jamming’.

10. Sly en de Family Stone

Sly en de Family Stone maakten een aantal van de meest dynamische en bedachtzame muziek van de late jaren zestig en begin jaren 70, en verenigden en transformeerden zwart-witte muziek in een tijd van hoogste hoop en diepste verraad in Amerika. Leider Sly Stone verpersoonlijkte beide uitersten, als de ware gelovige en een slachtoffer van zijn eigen ontgoocheling.

Het was op de tweede LP van de band, “Dance To The Music” (’68) dat ze echt in brand vlogen. Het titelnummer was een perfecte weergave van het live Family-geluid, een levendig amalgaam van positiviteit, fuzz-bas, doo-wop, rockgitaar en hoorns, verzameld in de context van een traditionele R & B-revue.

In de zomer van ’69 vonden Sly en de Family Stone de hoogste populariteit en lovende kritieken op de vleugels van hun fenomenale album ‘Stand !,’, waaronder de eerste nummer 1-hit ‘Everyday People’, een nummer dat definieerde de sociale idealen van de band op de manier dat “Dance” zijn muzikale gedachten definieerde. De charme van het refrein van de kinderliedjes doorsnijdt eeuwen van culturele vooroordelen en herinnert ons aan de simpele waarheid dat “we samen moesten leven” of afzonderlijk moesten sterven. Ook op het album was de orgastische “I Want to Take You Higher.”

Diezelfde zomer bestormden Sly en Family Stone de etappe bij Woodstock in regenboogopwellingen, flikkerende pailletten en elektriciteit en kwamen supersterren weg. Als de aanwezigen niet hoog genoeg waren, toen Sly “I Want to Take You Higher” aan het einde van de set schreeuwde, voelen velen dat het festival – en een tijdperk – hun waanzinnige piek bereikten.

Helaas nam Sly zijn obsessie met “hoogheid” letterlijk en kwam hij de gemakkelijke high van drugs verwarren met de moeilijkere hoogtepunten van muziek, liefde en de vreugde van het bestaan. Met de medicijnen kwamen steeds meer paranoia en zelfresorptie die in 1971 als eerste en beste tot uiting kwamen: ‘Er is een opmaat Goin’ On ‘, waarbij lusteloosheid de plaats innam van het zaad, maar Sly’s ongelooflijke talent scheen nog steeds door de duisternis. Drummer Errico vertrok tijdens de productie en Sly beschadigde het familiegevoel verder door de meeste instrumenten op het album zelf te spelen, geïsoleerd in een cocaïne-cocon. Ironisch genoeg was ‘Riot’ het nummer 1 album van de ‘band’. De droom en de werkelijkheid vielen toen allebei uiteen, maar de muziek blijft.

Hoe? Waarom?

Terwijl ik met de donderende stem van de waarheid spreek, is deze lijst van “de 10 beste rockbands ooit“Is niet een puur willekeurige aanduiding getrokken uit mijn onderwereld. Ten eerste moesten de winnaars een echte band zijn, die de meeste van de eerste wave rock ‘n’ roll greats uit de jaren 50 elimineerde, zoals Elvis en Chuck Berry, die in wezen solokunstenaars waren met back-up bands, andere torenhoge figuren zoals Bob Dylan, en vocale groepen. De bands moesten zich in de grotere kring van “rock” -muziek bevinden en het meeste of al hun eigen materiaal genereren. Ik hield rekening met muzikale en culturele invloeden, populariteit in de tijd (blijvende kracht) en de factor ‘Het is een heerlijk leven’: welke schade zou worden aangericht als de band uit de geschiedenis van de rock zou worden verwijderd? – hoe groter de schade, hoe groter de band. Verwijdering van een van de bovenstaande 10 zou de geschiedenis van de rock onherkenbaar maken.

Eric Olsen is de redacteur van Blogcritics.org en een regelmatige bijdrager aan MSNBC.com.

Loading...